Carolina Jiménez: "El cine es la combinación perfecta de arte y tecnología"

Carolina Jiménez es el rostro oculto de los VFX (efectos visuales) más sorprendentes de Hollywood.  Su talento se ha visto reflejado en superproducciones como la trilogía de “El Hobbit”, “Prometheus”, “Star Trek Beyond”, “Guardianes de la Galaxia 2″, “World War Z”, “El planeta de los Simios 2″ o “Superman”, y recientemente ha dejado su huella en los efectos especiales de la última temporada de “Juego de Tronos”.

Atraída por el arte y la tecnología, descubrió la simulación 3D mientras estudiaba arquitectura en Madrid y tras ver el “Señor de los Anillos” se dio cuenta de que quería ser artista de efectos visuales digitales para cine (VFX). Desde entonces, su nombre ha aparecido en los títulos de crédito de producciones dirigidas por Ridley Scott, George Miller, Peter Jackson o Tim Burton. Actualmente, trabaja como Layout Artist en Scanline VFX, un estudio de VFX en Vancouver (Canadá).

En Next Media hemos querido conocer en qué consiste el trabajo de Layout Artist y cómo se está adaptando esta industria a los nuevos hábitos de consumo cinematográfico. Carolina Jiménez nos cuenta en esta entrevista cómo los últimos avances en cine digital y efectos especiales están revolucionando el medio cinematográfico hacia unos límites que jamás hubiésemos imaginado.

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¿De qué manera deben combinarse el arte y la tecnología actualmente para crear los VFX más sorprendentes que vemos en películas como “Guardianes de la Galaxia” o el “Planeta de los Simios”?

Creo que el cine es la combinación perfecta de arte y tecnología. Es arte porque es arte narrativo como lo pueden ser el teatro o la literatura, y es tecnología lógicamente porque utilizamos inventos y adelantos tecnológicos de última generación, los cuales forzamos y perfeccionamos constantemente.

En este sentido, la era digital no es una excepción. En la era de los VFX tenemos que seguir siendo capaces de combinar el arte de la narrativa y el arte gráfico. Por eso, creo que el cine es la representación perfecta de arte visual narrativo y tecnología pionera. Los artistas de efectos visuales combinamos ambas cosas, teniendo formación en ambos campos y siendo conscientes de que la tecnología ha de estar siempre al servicio de la historia y del lenguaje cinematográfico.

¿Es la tecnología aplicada al cine un complemento o un sustituto de otros efectos, plantillas o maquetas?

La tecnología digital en este caso creo que solo debe ser una herramienta más que ayude al cineasta a contar la historia y llevarla ante los ojos de los espectadores. El cine es un arte creativo que puede presumir de ser un compendio de múltiples industrias y que aúna profesiones muy variadas, por eso, creo que las técnicas digitales no deben ser un sustituto de ninguna de las técnicas anteriores. No deberían desecharse la posibilidad de emplear maquetas, efectos prácticos, maquillajes, o trucos de iluminación y perspectiva. De este modo, las películas serán ricas obras de arte hechas por artistas de múltiples competencias y orígenes cuyos trabajos conviven juntos con el objetivo de crear la mejor película posible.

¿Cómo pueden llegar a condicionar los efecto especiales la construcción del relato cinematográfico?

Creo que los avances tecnológicos en el cine han dado siempre nuevas alas al tipo de historias que se podían contar y en la manera de contarlas. En este sentido, los efectos visuales digitales no son una excepción. Ahora se pueden mostrar en pantalla muchas más cosas que antes no se podía. Cada avance técnico abre nuevas puertas nunca antes exploradas.

Y al contrario, ¿la evolución en la forma de contar historias condiciona el avance de los efectos visuales?

Hay muchos cineastas con ideas novedosas a la hora de escribir historias que retan a los artistas de efectos visuales a encontrar nuevas maneras de hacer lo que nunca nadie nos había pedido antes. En ese sentido, creo que tanto los cineastas como los técnicos de efectos visuales se retroalimentan mutuamente para avanzar.

Debemos crear la mejor película posible a la mayor definición posible, independientemente del dispositivo desde donde se vaya a consumir

Actualmente el consumo de largometrajes se hace generalmente fuera de las salas de exhibición.  ¿Cambiará este nuevo paradigma la manera de crear VFX?

Visualmente a día de hoy yo creo que no. Hoy en día disfrutamos en casa del cine y de las series en grandes pantallas de televisión con equipos de sonido envolvente en habitaciones oscuras y con un buen bol de palomitas. Eso hace que la experiencia sea realmente cercana a lo que podemos vivir en una sala de cine. Incluso hoy en día podemos ver en casa películas con mucha mejor calidad que las que veíamos en el cine hace años.

Técnicamente sí que nos hemos tenido que adaptar a nuevas innovaciones como el cine en 3D, la alta definición o la reproducción a diferente número de fotogramas por segundo, pero artísticamente hablando realmente no hay mucha diferencia. Debemos crear la mejor película posible a la mayor definición posible, independientemente de del dispositivo desde donde se vaya a consumir (sala de cine, pantalla de televisión, ordenador e incluso en un teléfono móvil). Este abanico de posibilidades permite que nuestro trabajo llegue a mucha más gente, pero nosotros siempre debemos crear un producto de la máxima calidad.

La empresa The Virtual Reality Company desarrolló The Martian VR Experience, un proyecto que da la oportunidad a los espectadores de adentrarse en los escenarios de producciones de Ridley Scott mediante la realidad virtual. ¿Este tipo de tecnología aporta un valor añadido a la hora de vivir una experiencia cinematográfica desde el salón de tu casa?

No he tenido ocasión aún de participar en proyectos de este tipo, pero creo que pueden suponer un paso más a tratar de alcanzar nuevas experiencias cinematográficas para el espectador. Sin duda, va a ser mucho más inmersivo tener la libertad de disfrutar, mediante realidad virtual, no solo de las escenas, sino de los escenarios completos que creamos para el cine. Sin embargo, puede ser también una distracción que no permita seguir la historia que se está contando con el ritmo que el director pretendió. Tengo mucha curiosidad por ver qué otras nuevas posibilidades narrativas, que no habíamos contemplado, nos puede ofrecer.

¿Qué otras técnicas de creación de VFX ayudarán a los espectadores a vivir desde su casa la misma experiencia que viven en el cine?

Se siguen haciendo constantes intentos de inventar cosas nuevas que hagan la experiencia cinematográfica diferente y novedosa. Cómo las butacas que se mueven y vibran al compás de la acción qué sucede en la pantalla, suelos o techos que vibran o sprays con aromas y olores propios de los mundos que te muestre la pantalla. Son todos intentos legítimos de hacer algo novedoso que podrían tener (o no) un futuro en las salas de cine o en los salones de las casas. Sin embargo, ninguno de ellos me ha convencido tanto como funciona el sonido envolvente. De momento, el sonido sigue siendo la mejor técnica a la hora de imbuir al espectador en un mundo de ficción al que queremos llevarle.

Decías en una entrevista que a la hora de crear VFX se ha de encontrar un equilibrio visual, en el que los hechos se muestren con suficiente realismo y el ojo disfrute de lo que ve. ¿Cómo se logra este equilibrio visual?

Ninguno de los dos aspectos debe primar sobre el otro. Es importante tener en cuenta que es necesario cierto realismo, para convencer al espectador de que eso que está viendo es posible. Pero también hay que procurar llevarle a lugares nuevos y enseñarle cosas sorprendentes que le permitan disfrutar ante una pantalla de cine de aquello que la vida real diaria no le ofrece. Sin embargo, es un equilibrio difícil de conseguir, que requiere un equipo de artistas multidisciplinar, una buena historia de base y el talento creativo del cineasta a la hora de dirigir el proyecto.

Hoy en día se pueden conseguir resultados visuales muy aceptables con un potente ordenador personal desde casa, dedicándole el tiempo suficiente. ¿Cómo ha facilitado este avance en tu trabajo?

El hacer que los efectos visuales digitales estén ahora al alcance también de los pequeños presupuestos y de las películas independientes pone las herramientas adecuadas en las manos de gente muy creativa que en otras épocas no habría tenido ocasión de dar forma a sus ideas. Gracias a esta accesibilidad contamos ahora con muchos más artistas, capaces de poner a prueba las herramientas y de innovar visualmente. Esto obliga a toda la industria, incluidas las grandes productoras, a prestar más atención, aprender y no quedarse atrás. Creo que es algo muy positivo que los VFX no sean una posibilidad exclusiva de las grandes productoras. El avance de los efectos visuales es un trabajo de equipo y la competencia es siempre bienvenida.

El cine ha sido, es y será siempre un arte experimental, puesto que combina tecnología que está en constante avance

¿Qué otras herramientas y tecnologías se han conseguido simplificar lo suficiente como para hacer los VFX mucho más accesibles?

Principalmente el software y el hardware, es decir los programas que utilizamos para crear efectos visuales y los ordenadores que hoy en día son cada vez más potentes. Por menos dinero estas dos facetas avanzan inevitablemente de la mano, lo que ayuda a abaratar costes, acortar tiempos, crear más artistas con gran talento y mejora el resultado final.

¿Cada nuevo efecto que vemos en una película suele condicionar la creación de un nuevo software en busca de mejorar el anterior?

No siempre es necesario un nuevo software. En muchas ocasiones simplemente mejoramos el que ya tenemos. En otras, efectivamente, se generan nuevos programas que nos ayuden a crear, como por ejemplo, el programa de generación de líquidos y fluidos que es la estrella del estudio en el que trabajo actualmente. Hubo un tiempo en el que era complicado simular agua y otros líquidos digitalmente, por eso existía la necesidad de encontrar una manera de hacerlo de forma convincente. Hoy en día, gracias a este tipo de software innovadores, podemos conseguirlo con resultados indistinguibles de la realidad.

Hoy os traigo el breakdown del trabajo de #VFX en #WorldWarZ, película en la que trabajé como parte del equipo de MPC en 2012, que ya ha llovido. Tanto zombie fue sin duda un reto enorme. Aquí podéis ver el trabajo detallado por fases y capas. #cine #EfectosVisuales #Zombies pic.twitter.com/4fm7iobEax

— Carolina Jiménez G. (@Okinfografia) April 8, 2019

¿Qué tipo de hardware utilizáis en Scanline para la producción de este tipo de efectos?

Todos nuestras herramientas son siempre programas de ordenador, por lo tanto, el hardware es siempre un ordenador muy potente. Son máquinas con procesadores muy potentes, con mucha memoria RAM y muy buenas tarjetas gráficas. Cuánto mejores sean nuestras máquinas, con más efectividad y rapidez podremos trabajar. Esto es algo común a todos los estudios de efectos visuales.

¿Con qué nuevas técnicas digitales estáis trabajando?

Actualmente uno de los retos en los que necesitamos avanzar es en el realismo facial de personajes humanos. Aún es difícil engañar al ojo del espectador y hacerle creer que es real aquello que es digital. Ya hemos visto películas en las que se decide recuperar a un personaje interpretado por un actor ya fallecido, o rejuvenecer a un actor ya de cierta edad para poder mostrarle en su juventud y contar la historia de su pasado. Se están haciendo cosas maravillosas en esta dirección, pero todavía somos perfectamente capaces de distinguir lo digital de lo que no lo es. Tenemos que seguir trabajando en ello.

¿Cuál es el proceso que hay que seguir (desde que se diseña el boceto hasta que el espectador lo ve en la pantalla) a la hora de hacer los VFX?

Primero, el director decide el aspecto que quiere tener el entorno de un plano o una secuencia concreta. Traslada sus ideas al departamento de arte que boceta estas ideas para tratar de captar tú esencia visualmente. Son estos bocetos los que emplearemos como referencia los artistas de 3D. A partir de los bocetos, y siempre bajo la supervisión del director, trabajamos para ir dando forma tridimensional a esos conceptos gráficos.

Has contado muchas veces que uno de tus mayores retos fue la creación de las telarañas del bosque de Mirkwood. ¿Qué procedimiento seguisteis para esta secuencia?

En el caso de las telarañas del bosque de Mirkwood a partir de los bocetos de los artistas concepto, y trabajando mano a mano con los programadores, generamos una herramienta capaz de crear telarañas tridimensionales que tuvieran el aspecto requerido y se comportaran como debían en términos de textura, flexibilidad, color… Sin estas herramientas que crean para nosotros los programadores nuestro trabajo sería imposible. Y ellos pueden generar estas increíbles herramientas gracias a nuestras indicaciones y expectativas. Como siempre es un gran trabajo de equipo.

¿Los Layout Tenéis libertad creativa para crear secuencias de VFX?

Cada proyecto es distinto, y cada director también. En ocasiones tenemos una línea de actuación muy definida de la que no nos podemos salir ya que el cliente tiene todas las decisiones tomadas y el resultado final ha de cumplir con esas expectativas. Y en ocasiones, la dirección está establecida pero no los detalles concretos, lo que nos deja margen para innovar, proponer y ser creativos.

Curiosamente las películas de menor presupuesto, las que tienen menos presión mediática, son las más divertidas profesionalmente hablando. En las grandes superproducciones con altas expectativas de taquilla, la productora y el equipo del director ejercen una presión especial para que todo se haga de una manera muy determinada. Pero en las producciones más pequeñas las directrices están mucho menos tensas y los artistas tenemos más libertad para innovar, proponer y crear con menos presión. Este fue el caso de “Power Rangers”, “El Cazador” o “Megalodón”. En esas películas hay escenas que no solo he compuesto yo, sino que son ideas mías. Es muy gratificante.

¿Consideras que el cine se encuentra actualmente en una etapa experimental, y que al igual que en 1905 cuando comenzaba la industria del cine, probar nuevos formatos, escenarios y técnicas es fundamental para su evolución?

Efectivamente yo creo que el cine es un arte vivo. Desde que se inventó el cine, los contadores de historias no han dejado de inventar nuevas técnicas, nuevas tecnologías y nuevas maneras de tratar de engañar al espectador, es decir, de contar una historia que no es real pero que parezca lo más real posible. En este sentido sí que creo que podemos decir que el cine ha sido, es y será siempre un arte experimental puesto que combina tecnología que está en constante avance. Primero con técnicas fotográficas y más adelante con técnicas digitales.

Por mucho que pase el tiempo el cine seguirá siendo un arte en constante evolución y nunca terminaremos de inventar cine. Siempre estaremos tratando de sorprender al espectador y de encontrar nuevas maneras, métodos y técnicas para contar historias y transmitir emociones al público.

Estamos siempre tratando de aplicar las bases de la narrativa a nuevas maneras de contar historias, y experimentar es fundamental para continuar avanzando y descubrir nuevas maneras de hacer las cosas. Si no fuera así, qué aburrido sería hacer cine.